José Iranzo Almonacid nació en el seno de una familia de comerciantes. Su infancia transcurrió entre Utiel y Valencia, donde se trasladó a los seis meses de edad. Desde temprana edad demostró habilidades destacadas para el dibujo y la pintura. Instalado en el barrio de Sant Bult de Valencia, tuvo sus primeros contactos con la creación artística gracias a un imaginero que trabajaba en su edificio.^[3]​^[4]​

Durante sus estudios en el colegio de los Escolapios, ilustró el diario mural del centro. Asistió a la Escuela de Artes y Oficios de San Carlos en Valencia, donde ganó durante tres años consecutivos el premio de dibujo lineal y estructuras geométricas y decorativas.^[5]​ Posteriormente, inició estudios de Arquitectura en Barcelona, aunque su vocación artística prevaleció, aunque los abandonó para dedicarse plenamente a las artes plásticas tras regresar a Valencia en 1954.^[1]​^[3]​^[6]​

Durante su juventud, trabajó como delineante y tras superar una prueba de aptitud, comenzó a trabajar en Litografía Ortega,^[7]​ una firma destacada en artes gráficas a nivel nacional. Allí se familiarizó con técnicas que posteriormente incorporaría en su obra.^[8]​ En 1952, durante el servicio militar en Palma de Mallorca, trabajó como dibujante en el Estado Mayor.^[3]​

Anzo participó en los círculos artísticos valencianos, colaborando en la Asociación Arte Actual^[9]​ y como fundador del grupo Estampa Popular.^[10]​ En 1974, su carrera se vio interrumpida por un grave accidente de tráfico. En sus últimos años se retiró de la vida artística.^[3]​

La producción artística de Anzo ha sido descrita en distintas etapas por algunos de sus estudiosos.^[11]​^[3]​^[1]​

Durante este periodo, desarrolló una pintura de carácter neofigurativo con elementos de abstracción, utilizando medios como óleo, gouache y acuarela. En esta fase, trabajó también con pigmentos preparados por él mismo y recurrió a composiciones de base geométrica.^[12]​

A partir de 1963, incorporó elementos procedentes del diseño publicitario y la comunicación visual. En sus obras aparecieron referencias a la cultura de masas y a la sociedad de consumo, mediante la inclusión de imágenes populares como anuncios y figuras televisivas. Esta etapa ha sido asociada a un enfoque crítico paralelo a ciertas propuestas del Pop-Art, aunque con particularidades derivadas del contexto local.^[13]​

En la serie conocida como "Aislamientos", iniciada hacia mediados de los años sesenta, utilizó materiales industriales como el acero inoxidable, el aluminio anodizado, los rodamientos y los fotolitos. Las composiciones aluden a estructuras mecánicas y entornos tecnológicos. En ellas abordó visualmente cuestiones relacionadas con la soledad y la automatización. Esta etapa consolidó su reconocimiento internacional.^[14]​

En esta fase, a la que dio el nombre de "Geometría lírica", trabajó con formas geométricas y una paleta cromática más amplia. Según algunas interpretaciones, estas obras mantienen una orientación abstracta con referencias al equilibrio formal y visual.^[1]​

La obra de Anzo ha sido objeto de reconocimiento crítico e institucional, particularmente en relación con su serie Aislamientos, que ha sido valorada por su capacidad para representar la alienación del individuo en contextos tecnificados.

En 2017, el Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) le dedicó una exposición monográfica centrada en dicha serie, destacando su vigencia conceptual y su independencia respecto a los discursos dominantes del arte español del siglo XX. El director del IVAM en ese momento, José Miguel G. Cortés, señaló que la muestra contribuía a reparar una “injusticia histórica” en el reconocimiento de su trayectoria. El comisario de la exposición, J. Ramón Escrivà, subrayó el carácter visionario de su obra en la representación de un mundo clausurado y tecnológicamente opresivo.^[15]​^[16]​^[17]​

Por su parte, el diario El País se refirió a Anzo como uno de los introductores del Pop Art en España, resaltando su participación en movimientos como Estampa Popular y su aproximación crítica a los medios de comunicación de masas.^[18]​

La Universidad de Valencia también promovió la recuperación de su figura mediante una retrospectiva organizada en 2009, que reunió obras procedentes de la Colección Martínez Guerricabeitia y otras cedidas por su familia. La muestra ofrecía una visión de conjunto de su trayectoria artística y evidenció su voluntad de integración entre creación plástica y reflexión humanística.^[19]​

Anzo realizó numerosas exposiciones individuales, entre las que destacan las celebradas en la Galería Biosca de Madrid (1965), la Bienal de Venecia (1968), el Museo Español de Arte Contemporáneo (1974) y otras exposiciones colectivas como la IX Bienal de São Paulo, la IX Bienal de Alejandría, y muestras internacionales en Milán, París, Roma y Nueva Delhi, así como la exposición póstuma "Memoria de Anzo" en el Centro Cultural La Nau de la Universidad de València (2009–2010).^[20]​ En la Bienal de Venecia ocupó una de las principales salas del pabellón español, presentando exclusivamente obras realizadas con materiales industriales como el aluminio y el acero inoxidable.^[21]​

Además de su presencia en museos españoles, la obra de Anzo forma parte de colecciones institucionales y ha sido exhibida en museos internacionales como el Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad de Chile.^[3]​ ^[22]​ ^[23]​^[24]​

Entre sus galardones figuran la Medalla de Plata del II Salón de Marzo, el Premio Especial de la IX Bienal de Alejandría y la Medalla de Oro Colectiva en la Feria de París.^[25]​ En la IX Bienal de Alejandría recibió un premio especial otorgado por la singularidad de su obra.^[21]​

• Memoria de Anzo
• Fundación Anzo
• La Incomunicación Comunicada
• Anzo y la crítica del optimismo tecnológico
• Reivindicar a Anzo
• MACVAC ANZO

Antonio Povedano Bermúdez ( Alcaudete, Jaén, 26 de octubre de 1918 – Córdoba, 7 de septiembre de 2008) fue un pintor y muralista español cotemporáneo,^[26]​ ^[27]​ ^[28]​ reconocido especialmente por su reinterpretación actualizada del paisaje andaluz, vinculada a una visión antropológica del mundo rural y al estudio de las formas rituales y esenciales. A lo largo de su trayectoria, destacó como innovador en el vitralismo,^[29]​ alcanzando gran prestigio con obras como la Letanía Lauretana,^[30]​ una de las mayores vidrieras emplomadas de Europa.^[27]​

Nacido en 1918 en Alcaudete (Jaén), creció en la aldea de El Cañuelo, una aldea cercana a Priego de Córdoba. Su formación se desarrolló entre Córdoba (1940), Sevilla (1944) y en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, completando sus estudios en El Paular en 1947, donde se especializó en paisaje.^[31]​^[32]​ Inició su trayectoria artística dentro del abstraccionismo geométrico y, hacia los años mil novecientos cincuenta, evolucionó hacia una figuración esencializada inspirada en el entorno andaluz.^[33]​ De manera breve, también formó parte del colectivo vanguardista Equipo 57, lo que refleja su interés por las corrientes artísticas renovadoras de la época.^[34]​

A comienzos de los años cincuenta, experimentó un viraje hacia la figuración.^[32]​^[33]​^[35]​ En 1963 obtuvo la plaza de profesor de Dibujo en la Escuela de Artes Aplicadas y Oficios Artísticos Mateo Inurria de Córdoba,^[32]​ donde ejerció como catedrático hasta su jubilación en 1986. Ese mismo año fue nombrado Académico correspondiente de la Academia de Ciencias, Bellas Letras y Nobles Artes de Córdoba.^[36]​ Posteriormente, en 1989, recibió el nombramiento de Académico correspondiente por Córdoba de la Real Academia de San Fernando, y en 1995 de la Real Academia Catalana de Belles Arts de Sant Jordi de Barcelona. Su labor formativa consolidó su influencia en generaciones de artistas andaluces.^[34]​

Povedano destacó inicialmente por su uso expresivo del color dentro del abstraccionismo geométrico, una tendencia que compartía con otros jóvenes artistas que buscaban superar el aislamiento estético de la posguerra.^[33]​ Su evolución hacia una nueva figuración se centró en la representación de una Andalucía campesina y taurina, austera y dramática, en la que lo simbólico y lo esencial adquirían un lugar predominante. Entre sus motivos más frecuentes se encuentran los picadores y otras figuras humildes del mundo rural.^[33]​^[37]​

Su obra se desarrolla dentro de una línea clara de búsqueda de lo real, no tanto en su dimensión literal como en su sentido profundo y arquetípico. El uso del dibujo, la sobriedad cromática en etapas determinadas y la composición estructurada son características constantes de su producción.^[38]​^[39]​

Más allá de la pintura, exploró la cerámica, el mosaico y especialmente el arte del vitral, campo en el que realizó más de 180 obras documentadas entre finales de los años cincuenta y 1999. Estas piezas, destinadas en su mayoría a edificios religiosos y espacios públicos, reflejan la misma sensibilidad estética que caracterizó su producción pictórica.^[32]​ Su lenguaje visual integró elementos de la cultura andaluza y tradiciones populares, fusionados con conceptos de la vanguardia artística, lo que otorgó a su obra un equilibrio entre lo contemporáneo y lo ancestral.^[40]​

La crítica destacó de Antonio Povedano su rigor compositivo y la expresividad de su obra. José Camón Aznar subrayó la "estructura de líneas y planos de bien armada ordenación", mientras que Juan Antonio Gaya Nuño resaltó su "claro sentido del color" y la profundidad expresiva de sus figuras, describiendo una de ellas como "un hombre con tremenda dosis de misterio".

José Hierro señaló que su pintura no buscaba una representación fotográfica de la realidad, sino que proponía "una realidad despiezada y vuelta a montar según su capricho", integrando elementos del impresionismo, futurismo y abstraccionismo. Por su parte, Vicente Aguilera Cerni lo situó entre "los transfiguradores de la realidad", destacando cómo su obra se caracteriza por un fondo "irremediablemente dramático".^[41]​ A lo largo de su vida mantuvo una actitud inquieta y de constante exploración artística, que se prolongó incluso en su madurez, según destacó la crítica.^[34]​ Diversos estudios críticos han señalado la carga simbólica de su producción, donde las composiciones no solo presentan figuras reconocibles sino también una profunda reinterpretación de la iconografía andaluza.^[40]​Sé que la crítica suele ser muy aduladora, pero ¿hay alguien que haya sido crítico con él?

Participó en numerosas exposiciones nacionales e internacionales, entre ellas la XXIX Bienal de Venecia en 1958, donde expuso obras que hoy forman parte de la colección del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid. En Córdoba y otras ciudades, sus murales cerámicos y vitrales han dejado una huella perdurable, como el Apostolario de 1968 o los mosaicos del Conservatorio Superior de Música y Declamación, realizados en colaboración con Rufino Martos.^[32]​ En 2018, con motivo del décimo aniversario de su fallecimiento, la Diputación de Córdoba le dedicó una exposición homenaje que reunió más de ochenta obras, evidenciando la vigencia de su legado.^[34]​

1. ↑ ^{a b c d} «Biografía». Fundación Anzo. Consultado el 14 de abril de 2025. 
2. ↑ García Viñó, Manuel (1978). «Anzo» (PDF). Artistas Españoles Contemporáneos (Dirección General del Patrimonio Artístico y Cultural). ISBN 978-84-369-0620-2. Consultado el 14 de abril de 2025. 
3. ↑ ^{a b c d e f} País, El (7 de marzo de 2006). «José Iranzo Almonacid, 'Anzo', pintor». El País. ISSN 1134-6582. Consultado el 14 de abril de 2025. 
4. ↑ García Viñó, 1978, p. 9.
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6. ↑ García Viñó, 1978, p. 11.
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8. ↑ García Viñó, 1978, p. 13.
9. ↑ La Asociación valenciana "ARTE ACTUAL" (1959-1973), ed. (1993). «Archivo de arte valenciano». pp. 165-172. Consultado el 14 de abril de 2025. 
10. ↑ García Viñó, 1978, p. 16.
11. ↑ García Viñó, 1978, p. 19.
12. ↑ García Viñó, 1978, pp. 23-29.
13. ↑ García Viñó, 1978, pp. 31-53.
14. ↑ García Viñó, 1978, pp. 55-60.
15. ↑ «Anzo. Aislamiento». www.arteinformado.com. Consultado el 5 de mayo de 2024. 
16. ↑ «El IVAM reivindica la figura del artista valenciano ‘Anzo’». www.viuvalencia.com. Consultado el 5 de mayo de 2025. 
17. ↑ «El IVAM reivindica la figura del artista valenciano ‘Anzo’». IVAM. Consultado el 5 de mayo de 2025. 
18. ↑ Gámez, Carles (30 de junio de 2017). «Anzo: el pintor del hombre sentado». El País. ISSN 1134-6582. Consultado el 5 de mayo de 2025. 
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21. ↑ ^{a b} «La Incomuniación Comunicada». bezas.es. Consultado el 14 de abril de 2025. 
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23. ↑ V, C. (24 de octubre de 2017). «El IVAM amplía su colección con obras de 26 artistas, la mitad de ellos mujeres». El País. ISSN 1134-6582. Consultado el 5 de mayo de 2025. 
24. ↑ «Anzo  Aislamiento 2000». uchile.cl. Consultado el 5 de mayo de 2025. 
25. ↑ García Viñó, 1978, pp. 87-94.
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29. ↑ Manchado, Javier García-Luengo (22 de octubre de 2020). «DE ICONOGRAFÍA Y VANGUARDIA: LA PINTURA DE ANTONIO POVEDANO (1918-2008)». LABORATORIO DE ARTE (32): 455-474. ISSN 2253-8305. doi:10.12795/LA.2020.i32.23. Consultado el 2 de abril de 2025. 
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32. ↑ ^{a b c d e} «EL RICO LEGADO DE ANTONIO POVEDANO BERMÚDEZ – Crítica». 7 de abril de 2020. Consultado el 7 de abril de 2025. 
33. ↑ ^{a b c d} Jiménez Martos, 1974, p. 1.
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37. ↑ Jiménez Martos, 1974, p. 87.
38. ↑ Jiménez Martos, 1974, p. 48.
39. ↑ Jiménez Martos, 1974, p. 67.
40. ↑ ^{a b} Manchado, Javier García-Luengo (22 de octubre de 2020). «DE ICONOGRAFÍA Y VANGUARDIA: LA PINTURA DE ANTONIO POVEDANO (1918-2008)». LABORATORIO DE ARTE (32): 455-474. ISSN 2253-8305. doi:10.12795/LA.2020.i32.23. Consultado el 7 de abril de 2025. 
41. ↑ Jiménez Martos, 1974, pp. 89-97.

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